La gabbia dorata: al cinema per riflettere ancora sul tema delle migrazioni

E' uscito nelle sale italiane ieri, 7 novembre, un film utile e interessante: La gabbia dorata che, attraverso il codice linguistico dell'arte cinematografica, approfondisce e fa riflettere su uno dei temi di maggiore attualità sociale e politica, quello delle migrazioni.

Abbiamo deciso di pubblicare per voi la recensione di Luca Scarafile, in collaborazione con Cinequanon.it.

La jaula de oro (La gabbia dorata), nelle sale italiane dal 7 novembre, non è certo un film che è stato trascurato dalla critica. A testimoniarlo ci sono il Grifone d’oro al Giffoni Film Festival, il prestigioso A certain talent prize a Cannes, infine la recente consacrazione, in data 6 ottobre 2013, con il trionfo al nono Festival di Zurigo. Riconoscimento quest’ultimo che, mai come questa volta, ci colpisce come un pugno nello stomaco, portando con sé il sorriso amaro e beffardo del destino. Già, perché arriva mentre il 3 ottobre 2013 sta passando alla storia come il giorno della strage di Lampedusa, perché il primo lungometraggio del regista spagnolo Diego Quemada-Diez è e vuole essere innanzitutto proprio un film sull’emigrazione.

Così, mentre increduli nella nostra impotenza stiamo contando i corpi esanimi di chi scorgeva nel Vecchio continente la Terra promessa, di chi sperava e che, per quello stesso sperare, ha dovuto arrendersi alla morte, il cinema, pur senza saperlo, ci offre un commento della tragedia meno retorico e superficiale delle parole di tanti opinionisti che riempiono televisioni e giornali. Poco conta che siano gli Stati Uniti l’Atlantide di una felicità mai vissuta, che le terre della disperazione siano il Guatemala o il Messico e non l’Eritrea o la Siria, perché in ogni dove e in ogni quando sono la stessa voglia di riscatto, la stesso mito dell’altrove, la stessa miseria a spingere fiumi di uomini in un’impresa che per i più non troverà alcuna redenzione.
Ecco allora la storia di Juan, Sara e Samuel, tre giovanissimi guatemalchi che decidono di imbattersi in un viaggio verso gli Stati Uniti, terra dell’abbondanza e del capitalismo più scintillante. Di questo viaggio non sanno nulla, ma del resto nulla hanno da perdere. A loro ben presto si aggiungerà Chauk, un indio del Chiapas che non parla una parola di spagnolo e le cui azioni aderiscono a una logica primordiale, quella del cuore e del sentimento, che i suoi compagni dovranno faticosamente imparare a decifrare.
È un intreccio semplice e lineare quello scelto da Quemada-Diez, narrato attraverso una regia che talvolta assume intenzionalmente una piega documentaristica, ma che riesce ad indagare a fondo quel cumulo di insidie, speranze e illusioni che costituisce il fardello di ogni migrante. Sui tetti dei treni merci in cui clandestinamente si tenta di accorciare la traversata, tra la violenza dei delinquenti pronti ad approfittare di chi non è protetto da nessuno, di fronte ai cecchini statunitensi che attendono gli stranieri al confine, questo viaggio on the road si tramuta così in un vero e proprio romanzo di formazione, un viaggio in cui non tutti possono farcela e nel quale, anche chi ce la fa, sembra non trovare il riscatto di cui era in cerca .
Ciò che si conquista attraverso lo sguardo di questi cinque adolescenti è allora soltanto il disincanto, impressione crudele quanto realistica, a cui lo spettatore è educato dall’uso sapiente della recitazione di attori non professionisti, uso nel quale Quemada-Diez dimostra di aver ben recepito la lezione di Ken Loach con il quale ha collaborato.
A mancare non è nemmeno il richiamo metaforico, mai eccessivo o criptico, delle immagini. C’è innanzitutto la neve, la neve che irrompe, quantomai inaspettata, nei momenti cruciali del film: cade lenta e senza sosta in alcune inquadrature fisse facendo da contrappunto a questo viaggio disperato, come un destino dal significato velato fa da contrappunto, spesso ironico e maligno, alle nostre aspettative, ma è anche la neve che si fa bufera nell’ultima sequenza del film, quasi che quel significato incerto si sia infine rivelato nella sua tragicità. C’è poi l’enorme macello californiano in cui Juan, l’unico superstite di questa tormentata ascesa, finisce a lavorare: quasi a chiedere allo spettatore se la storia, come voleva qualche filosofo, non sia altro per noi singoli individui che un “banco da macellaio”.
C’è infine quel treno che corre sempre su una linea retta e che è lì, nelle intenzioni dichiarate del regista, a incarnare la fede incrollabile nel progresso, in quel grande racconto metafisico che fa dell’Occidente, per chi almeno ha provato a sperare, la meta ammaliante e sempre ambita del benessere. Ma del resto senza una fede, che sia in un etereo aldilà ultraterreno o in un aldiquà finalmente redento da una felicità per tutti allo stesso modo, forse non si può vivere. Come evoca il canto che chiosa una delle ultime sequenze del film: “Ho perso la fede, è necessario trovarla”.

La vie d'Adèle vince a Cannes: un'intensa storia d'amore al femminile

“Ringrazio la bella gioventù di Francia che ho incontrato durante la lavorazione e che mi ha fatto sentire lo spirito di libertà e la gioia di vivere e ringrazio la gioventù tunisina che ha fatto la sua rivoluzione con la giusta aspirazione di vivere liberamente, pensare liberamente e amare liberamente”: con queste parole il regista Abdellatif Kechiche ha ritirato la Palma D'Oro all'ultima edizione del Festival di Cannes, premio ottenuto per il suo film intitolato La vie d'Adèle.

Kechiche, nato a Tunisi, ma cittadino francese, porta sempre sul grande schermo storie intense e complicate sullo sfondo di una società altrettanto complessa e stratificata: ricordiamo, infatti, Tutta colpa di Voltaire, La schivata, Cous Cous e Venere Nera in cui parla di immigrazione, dell'inclusione, di multiculralismo, andando ad analizzare le radici, le conseguenze e le sfaccettature degli argomenti trattati.

Con il suo ultimo lavoro prende in considerazione, ancora una volta, un tema molto attuale: l'amore omosessuale, declinato al femminile. Con grande sensibilità, ma anche realismo visivo, racconta la storia di Adèle, nell'arco di circa otto anni. Adèle è una quindicenne, liceale, di famiglia operaia; studia, ama leggere e da grande vorrebbe diventare una maestra. Vive la sua prima esperienza sessuale con un coetaneo, Thomas, ma poco dopo prova a dare un bacio ad un'amica che la respinge. Un giorno, la strada di Adèle incrocia quella di Emma, una ragazza più grande, dai capelli blu e che studia all'Accademia di Belle Arti e, da quel momento, Adèle scopre la passione vera, la travolgente bellezza dell'intimità e la pienezza dell'essere se stessi.

Anche ne La vie d'Adèle scorgiamo i tratti tipici dello stile narrativo di Kechiche: usa il teleobiettivo per girare le scene di sesso da lontano e rendere maggiormente la verosomiglianza degli amplessi, espliciti, insistiti, coinvolgenti. Non fa sconti all'immgainazione: riporta i corpi nudi, i movimenti, gli spasimi e i respiri. Perchè il sesso può e deve essere vitale e libero. Come in tutte le storie d'amore forti e profonde ci sono i momenti di rottura, per un tradimento, per qualche incomprensione: e questo accade anche a Emma e ad Adèle che si incontreranno di nuovo, ma ormai non sarà più come prima.

Il presidente, Steven Spielberg, e la giuria della 66ma edizione del Festival hanno sorpreso pubblico e giornalisti conferendo il premio principale non solo al film, ma anche alle due attrici protagoniste, Adele Exarchopoulos e Lea Seydoux, e hanno affermato: “...Come giurati siamo rimasti stregati da queste attrici formidabili, e il fatto che negli Stati Uniti il film potrebbe essere censurato non poteva né doveva diventare un criterio del nostro giudizio”.

Il film è stato premiato in un momento molto particolare: lo stesso giorno in cui, a Parigi, sfilava la manifestazione contro la legge che ha legalizzato i matrimoni di coppie omosessuali, decisione che ha portato al suicidio dello scrittore e attivista di estrema destra, Antoine Lerougetel.

Abdellatif Kechiche ha dichiarato di aver realizzato un film “non militante”, ma l'opera - di coproduzione francese, spagnola e tedesca - è già al centro di un dibattito, almeno culturale.

Un film e uno spettacolo teatrale per non dimenticare i BALCANI

Da poco uscito nelle sale cinematografiche italiane (recuperabile nelle rassegne, su Internet e in dvd) , Buon anno Sarajevo – Djeca-Children of Sarajevo, questo il titolo originale - è l'opera seconda della regista bosniaca Aida Begić che, per questo film, ha ricevuto una menzione speciale nella sezione “Un certain regard” all'ultimo festival di Cannes.

Un'opera molto diversa dalla precedente, Neve in italiano, ambientata nella periferia -cupa e fredda - della città in cui vivono due fratelli, Rahima, 23 anni e Nedim, 14. Il ricordo della madre uccisa da un cecchino durante la guerra è ancora molto vivo negli occhi e nell'anima dei due ragazzi: ma, mentre Rahima ha trovato conforto (forse) nella religione islamica e nell'indossare il velo a protezione delle sue ferite, il fratello minore subisce la discriminazione per essere orfano in una società che non è ancora riuscita a trovare se stessa.

Un giorno Nedim danneggia l'I-phone di un compagno di scuola che è anche il figlio di un ministro e la scuola ingiunge a Rahima di rifondere il danno. Non riuscendo a trovare i soldi necessari, la ragazza danneggia l'auto del ministro in un parcheggio e da qui in poi i due protagonisti conosceranno, sempre più da vicino, la protervia e la corruzione dei ricchi e dei forti.

Rahima, da sempre coraggiosa nel far valere i propri diritti e nel proteggere il fratello, scoprirà anche alcuni lati della vita di Nedim che non conosceva e questo porta lo spettatore a intravedere nella quotidianità, nelle scelte e nei comportamenti di molti le tracce di una guerra che, a distanza di vent'anni, non è ancora finita; i segni di una mentalità criminale e di un malcostume che si è, ormai, infiltrato negli individui ...Ma il film lascia un piccolo spazio alla speranza di un miglioramento.

Ma non solo Cinema. Anche il Teatro vuole essere strumento di Memoria e di analisi. In tour, in Italia, lo spettacolo Balkan Burger – E' la storia di Razna che visse più volte, di Stefano Massini, un monologo affidato alla voce e all'interpretazione di Luisa Cattaneo, con il commento musicale dal vivo di Enrico Fink, sul palco con l'attrice.

Una molteplicità di voci che si intrecciano e di lingue (a partire dal titolo). Sì, perchè Razna è, in realtà, Roze figlia di un rabbino che imparerà litanie ortodosse, frequenterà un Pope, reciterà preghiere cattoliche e si confronterà con un imam.

Contaminazioni di generi – si ride e si piange durante lo spettacolo – e contaminazioni di religioni e di alfabeti al ritmo di una ballata kletzmer per un personaggio simbolico che cambia e che cerca la propria identità, in una Ex Jugoslavia ancora in cerca di equilibrio.

“ Balkan Burger è un magnifico pezzo di narrazione. E' una storia di morti e resurrezioni che si reitano nella vita di una singolare bambina segnata da un destino di paradossale santità, malgrado sé, il tutto raccontato con uno stile narrativo magistrale, tenuto su un registro ironico che mi sembra abbeverarsi allo humor della migliore letteratura yiddish e russa. ...Balkan Burger può essere letto come una parabola che denuncia la cieca ottusità del fanatismo travestito da religione...”

(Moni Ovadia, introduzione a Balkan Burge in “Quattro storie” di Stefano Massini, ed. Titvillus)